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​Sujets à rendre le 27 avril minuit en ligne . Le lien de dépôt des épreuves vous sera communiqué dans votre convocation. L’ÉPREUVE DE PRATIQUE PLASTIQUE — jusqu'au 27 avril Elle  prend la forme d'un cahier de recherches plastiques libres , sorte de livre d'artiste d’au moins 10 pages (avec un maximum de 20).Il regroupe des esquisses, des dessins, des collages, des photos, des peintures, des écrits… ; les formes de cette épreuve sont libres, numérisées ou numériques, pouvant inclure des liens audiovisuels. AU CHOIX : Sujet 1 Les œuvres d’art vivant, plastique ou visuel, peuvent-elles mixer les médias ? Avec quels avantages ? ​​"Le théâtre, qui n’est ancré en rien mais se sert de tous les langages — gestes, sons, paroles, jeu, cris — se retrouve précisément là où l’esprit a besoin d’un langage pour produire ses manifestations.Et la fixation du théâtre dans un seul langage — paroles écrites, musique, lumières, bruits — annonce à bref délai sa perte, le choix d’un langage témoignant du goût pour les facilités qu’il offre ; or, le dessèchement du langage accompagne nécessairement sa limitation."Antonin Artaud, Le Théâtre et son double, 1938À partir de cette citation et du travail d’Olivier de Sagazan (vidéos ci-jointes : [ lien 1 ] et [ lien 2 ] [ lien 3 ]), vous analyserez ces deux sources pour proposer une réflexion articulée autour des couleurs de l’Esä : "Arts, Science, Société, Nature". Sujet 2 Nature morte «  Une nature morte, en peinture, dessin ou photographie, représente des objets ou choses inanimés. En anglais, cette expression se traduit étrangement par « Still life », en allemand par « Stilleben » et en néerlandais par « Still leven ». Entre vie et mort, entre mouvement et immobilité… Imaginez un cahier de dix pages remplies des choses de la nature ou de la nature des choses (De Rerum Natura). »

Comme chaque année, le séminaire co-organisé par Valérie Boudier (univ. de Lille) et par Nathalie Stefanov (ESÄ) se termine par une exposition/restitution d'un workshop mené par un.e artiste invité.e au sein du séminaire. Les  étudiant.es  de M1/M2 - APV et Expo-Prod. - ainsi que celles et ceux en 4e et 5e années à l'ESÄ vous invitent donc à venir voir l'exposition qu'elles et ils ont réalisée eux-mêmes, à partir des travaux conçus au cours du workshop mené, cette année, par l'artiste Ilanit Illouz, mais dont elles et ils assument toutes les phases – de la scénographie à la médiation en passant par le travail de communication. Elles et ils vous attendent vendredi 19 décembre, dès 11h, en salle Typo, pour le vernissage. Esä | Dunkerque-Tourcoing, Salle Typographie, 36 bis rue des Ursulines 59200 Tourcoing

La MEL lance une consultation afin de sélectionner l’artiste qui créera l’œuvre qui habillera les futures rames de tramway Extramobile. Une œuvre d‘art pour un projet de territoire Alors que les nouvelles lignes de tramway Extramobile vont reconfigurer l’espace métropolitain, améliorer les connexions et réduire les distances, la MEL y attache une dimension culturelle forte, en conjuguant une intervention artistique à ce projet.  Un dialogue entre art, transports, usagers et habitants Via cette consultation, la MEL propose à un artiste d’investir le projet Extramobile dans l’objectif de faire dialoguer la création contemporaine avec les usagers des transports et les habitants du territoire. La date limite de remise des candidatures est fixée au 22 janvier 2026 à 12h. Après une étape de sélection des candidatures, 5 artistes retenus pourront proposer une offre initiale et plus particulièrement un thème artistique à déployer sur ce projet. À l’issue de la consultation, l’artiste titulaire, accompagné d’experts, développera et adaptera pendant plusieurs mois son intention artistique sur les rames de tramway selon les exigences du contrat. Comment participer ? Pour candidater : Déposer un dossier complet avant le 22 janvier 2026 à 12h , conformément au règlement de consultation consultable en ligne ici. Toutes les candidatures doivent être transmises via le profil acheteur de la MEL. Pour poser une question : Les questions doivent être adressées directement via la plateforme de consultation ici , dans l’espace prévu à cet effet. Date limite de dépôt des questions : 12 janvier 2026. Les réponses seront apportées exclusivement sur le profil acheteur.

Du 4 au 10 décembre 2026 — Galerie Commune - Esä, site de TOURCOING. Jeudi 4 décembre à 18h : vernissage Quatrième volet du cycle  low , après  flow  en 2023,  slow  début 2024,  glow  fin 2024,  blow  est une exposition qui présentera une sélection d'éditions et de livres d'artistes autour de la thématique du souffle cette fois-ci. Respirer, retrouver du souffle, inspirer... expirer... reprendre son souffle aujourd’hui en ces temps troubles tant climatiquement que politiquement, s’avère de plus en plus délicat. Face à une actualité qui nous coupe si souvent ce souffle si vital, nous tenterons de produire des éditions, des zines afin de sentir l’air sur nos peaux, et peut-être de produire des idées qui permettront de voir le vent tourner. Nous nous laisserons traverser par ce thème sensoriel et hautement existentiel, sensibles aux vents nouveaux telles des girouettes à l’écoute dotées de libre-arbitre. Lors d'un workshop de trois jours à l'Esä, site de Tourcoing, les étudiant·es travailleront à l'élaboration d'éditions à déployer dans l'espace d'exposition des la Galerie Commune à partir d'une réflexion autour du souffle comme composante du travail. L'exposition comprend les productions réalisées lors du workshop et des éditions d'artistes choisies en lien avec la thématique. Cette année, des éditions de Lise Duclaux, Mathilda  Olmi, FPCF, Nigel Peake, David Horvitz, Julie Safirstein, Thomas Lélu, Nathalie Du Pasquier seront présentées. Ces éditions rejoindront la collection Low en consultation à la bibliothèque commune de l’Esä, site de Tourcoing et de l’université. — Workshop du 2 au 4 décembre 2025 Exposition du 4 au 10 décembre, ouvert de 15h à 18h du lundi au vendred i à la Galerie Commune, 36bis rue des Ursulines à Tourcoing.

Vendredi 28 novembre de 8h30 à 20h — L'être lieu à ARRAS Proposé par 50° nord 3° est . Rendez-vous le vendredi 28 novembre pour les premières assises régionales des arts visuels en Hauts-de-France. Les débats et les réflexions porteront sur la coopération et ses réalités professionnelles dans le secteur des arts plastiques, du design et de la photographie. Quels en sont aujourd’hui les enjeux ? Devons-nous considérer l’intérêt commun comme un idéal à atteindre ? !!! INSCRIPTION EN LIGNE : ICI PROGRAMME  9h - Discours d’introduction 9h45 - Conférence - D’une coopération qui ne serait pas du semblant 10h15 - Table ronde - L’art en partage 12h30 - Cocktail déjeunatoire offert sur place 14h - Table ronde  - Géographies sensibles de la coopération culturelle en arts visuels 16h - Performance duo ORAN 16h45 - Table ronde - Cultiver l’art du dialogue 18h30 - Conclusion et perspectives suivi d’un cocktail dînatoire offert sur place PROGRAMME DÉTAILLÉ : Les assises régionales sont organisées avec le soutien de la Région Hauts-de-France, du Département du Nord et de l'ADAGP - copie privé, et la complicité de L'être lieu et de la Cité scolaire Gambetta Carnot ARRAS.

Mardi 2 décembre 2025, de 18h à 20h — Esä, site de DUNKERQUE Ces discussions avec les artistes se dérouleront en anglais — These artist talks will be in english Organisé avec The Margate School . Benjamin Jenner, Between invitations (work in progress), 2025 EN Benjamin Jenner For this presentation, Benjamin will share two works, one recently completed— the main body of the text —and a new work that is in process— between invitations (work in progress) . The aim of the presentation will be to use the main body…  to draw out points of development for …invitations…  via a process of text and image sharing, whose methods and structure reciprocate and respond to the fledgling motivations of the new work. The presentation will continue the performative approach to representation in evidence across the two works, the origins of which stem from an interest in the embodied imagination and autopoiesis, explored via walking, drawing and site-writing practices, provoking instances of collaboration between self and other, work and play, thought and action, movement and statis. Whilst the main body…  reimagines where and by what means sites of creative labour might be enacted (negotiated between organism and environment), …invitations…  aims to reimagine the self as a shape shifting embodiment of those conditions. This new experiment is enacted via a journey by bike—between work (at TMS) and my childhood/parent’s home—around the headland of Kent (and back again). A journey whose empirical dimensions curve to the emotive and the metabolic forces set in motion by the invitation to travel. The plan: on route, multiple, synchronous (yet highly divergent) versions of Benjamin will espy and assail their others in order to question, forewarn, and assimilate their advances whilst simultaneously hastening their retreat. The presentation will aim to begin sketching this conversation.  Benjamin studied Fine Art (Painting) at Wimbledon School of Art (BA) and The Slade School of Art (MFA). In 2024 they completed a practiced based PhD at the University of Leeds that employed a collaborative, action research methodology to explore the relationship between non-visuality and textual forms of subjectivity. Benjamin teaches History & Philosophy of Art and Making & Critiquing at The Margate School. They split their time between London and South East Kent.  Ian Bottle  Ian will give a brief talk about the different strands of his practice based on an exhibition titled ‘OVER LAP’ at Rochester City Art Gallery from 2023-24. Through paintings, constructed works, prints and artist’s books, Ian Bottle explores ideas about time, memory and place. His methods are influenced by what he sees as the challenges presented in processing the information we are continually confronted with. Ian’s work is informed by drawings and photographs that explore patterns within our seeing, thinking and doing, simultaneously building up and breaking down an image or sculptural form until a coherent structure emerges. The title of the show, ‘OVER LAP’ refers to this process and the potential for disruption to reveal moments of insight. Ian completed his MA in painting at Chelsea School of Art after studying to BA at Newcastle Polytechnic. Originally from Kent, he returned to the coast to set up a studio and work as a Senior Lecturer in Fine Art in the School of Further Education at University for the Creative Arts in Canterbury. He is now a tutor at The Margate School. Ian has continued to show work throughout his career whilst participating in a variety of research projects that have continued to shape his practice. Developing artist’s books as sculptural forms, he has made work in response to a number of sources including, T.S. Eliot’s ‘The Wasteland’ (Journeys with the Wasteland, 2018) and Dante’s ‘Commedia’ (Dante; Libri Nuovi 2021) and works have been shown in  Amsterdam, Barcelona, Bristol, London, Rouen and Margate.  FR Benjamin Jenner Pour cette présentation, Benjamin partagera deux œuvres, l'une récemment achevée— the main body of the text — (le corps principal du texte) et l'autre en cours de réalisation— between invitations  (entre invitations, travail en cours). L'objectif de la présentation sera d'utiliser the main body…  pour dégager des points de développement pour . ..les invitations...  via un processus de partage de textes et d'images, dont les méthodes et la structure répondent aux motivations naissantes de la nouvelle œuvre. La présentation poursuivra l'approche performative de la représentation évidente dans les deux œuvres, dont les origines proviennent d'un intérêt pour l'imagination incarnée et l'autopoïèse, explorées à travers la marche, le dessin et l'écriture sur site, provoquant des exemples de collaboration entre soi et l'autre, le travail et le jeu, la pensée et l'action, le mouvement et l'immobilité. Alors que the main body…  réimagine où et par quels moyens les sites de travail créatif pourraient être mis en œuvre (négociés entre l'organisme et l'environnement), ...invitations...  vise à réimaginer le soi comme une incarnation changeante de ces conditions. Cette nouvelle expérience se déroule à travers un voyage à vélo - entre le travail (à TMS) et la maison de mon enfance/de mes parents - autour du promontoire du Kent (et retour). Un voyage dont les dimensions empiriques s'incurvent vers les forces émotionnelles et métaboliques mises en mouvement par l'invitation à voyager. Le plan : en cours de route, plusieurs versions synchrones (mais très divergentes) de Benjamin espionneront et assailliront leurs autres afin de questionner, prévenir et assimiler leurs avancées tout en accélérant leur retraite. La présentation aura pour objectif de commencer à esquisser cette conversation. Benjamin a étudié les beaux-arts (peinture) à la Wimbledon School of Art (Licence) et à la Slade School of Art (Master). En 2024, il a obtenu un doctorat pratique à l'université de Leeds, qui a utilisé une méthodologie de recherche collaborative et active pour explorer la relation entre la non-visualité et les formes textuelles de la subjectivité. Benjamin enseigne l'histoire et la philosophie de l'art, ainsi que la création et la critique à The Margate School. Il partage son temps entre Londres et le sud-est du Kent. Ian Bottle  Ian donnera une brève conférence sur les différents aspects de son travail, en s'appuyant sur une exposition intitulée « OVER LAP » qui se tiendra à la Rochester City Art Gallery de 2023 à 2024. À travers des peintures, des œuvres construites, des gravures et des livres d'artiste, Ian Bottle explore les notions de temps, de mémoire et de lieu. Ses méthodes sont influencées par ce qu'il considère comme les défis posés par le traitement des informations auxquelles nous sommes continuellement confrontés. Le travail de Ian s'inspire de dessins et de photographies qui explorent les schémas de notre vision, de notre pensée et de nos actions, construisant et décomposant simultanément une image ou une forme sculpturale jusqu'à ce qu'une structure cohérente émerge. Le titre de l'exposition, « OVER LAP », fait référence à ce processus et au potentiel de perturbation pour révéler des moments de perspicacité. Ian a obtenu une maîtrise en peinture à la Chelsea School of Art après avoir étudié à la Newcastle Polytechnic. Originaire du Kent, il est retourné sur la côte pour créer un studio et travailler comme maître de conférences en beaux-arts à la School of Further Education de l'University for the Creative Arts de Canterbury. Il est aujourd'hui tuteur à la Margate School. Ian a continué à exposer ses œuvres tout au long de sa carrière tout en participant à divers projets de recherche qui ont continué à façonner sa pratique. Développant des livres d'artiste sous forme sculpturale, il a réalisé des œuvres en réponse à un certain nombre de sources, notamment « The Wasteland » de T.S. Eliot (Journeys with the Wasteland, 2018) et « La Comédie » de Dante (Dante ; Libri Nuovi 2021). Ses œuvres ont été exposées à Amsterdam, Barcelone, Bristol, Londres, Rouen et Margate.

21 & 22 octobre 2025 — Esä sur ses deux sites et au British Council, PARIS The Council for Higher Education in Art & Design à Dunkerque et Tourcoing. Une douzaine de représentants du CHEAD sont venus découvrir le site de Tourcoing de l'Esä mardi 21 octobre puis le site de Dunkerque de l'Esä mercredi 22 octobre avant de découvrir le FRAC Grand Large. Repas Esä / CHEAD mardi soir à Tourcoing Le Conseil pour l'enseignement supérieur en art et design (CHEAD) est l'organisme représentatif des arts, du design, des médias créatifs et des disciplines connexes dans l'enseignement supérieur en Grande Bretagne. Il assure le leadership de l'enseignement supérieur en art et design au Royaume-Uni. Bien que le CHEAD se concentre sur les disciplines d'art et de design, celles-ci étant étroitement liées à d'autres disciplines, telles que les médias, les arts du spectacle, l'architecture et l'histoire de l'art et du design, nous encourageons les interactions avec et entre ces disciplines.  Équivalent de l'ANdÉA, le CHEAD réunit les écoles supérieures d'art et les universités d'art de Grande Bretagne. La visite de l'Esä a été programmée dans le cadre d'échanges entre l'ANdÉA et le CHEAD. Au FRAC Grand Large de Dunkerque

Jeudi 20 novembre 2025 à 16h30 — Esä, site de DUNKERQUE Avec les artistes Fred MARTIN, Julien PASTOR et Thierry TENEUL Dans le cadre de la biennale l' Art dans la ville #4 piloté par le CIAC

Jeudi 20 novembre à 18h : vernissage — École d'art du Calaisis, le Concept, CALAIS Exposition du 21 novembre 2025 au 15 janvier 2026. — Dans le cadre du programme de résidences croisées CRESCENDO, piloté par l'Esä | Dunkerque-Tourcoing et l'ESAV de Liège. © Shuya Zhu & Florian Schaff

Le jeudi 4 décembre 2025 à 15h — FabLab de l'Esä, site de TOURCOING Une visioconférence d’Anne Bénichou dans le cadre du séminaire de recherche-création saPRISTi! (axe de recherche PRIST) © DR Depuis le début du millénaire, les pratiques de reenactment (reconstitution vivante) qui consistent à rejouer le passé en fonction d’enjeux actuels suscitent un engouement dans des domaines divers : les arts, l’archéologie, la télévision, les univers virtuels, le divertissement, etc. Ces « monuments mobiles », selon l’expression de S. Gapps, permettent de renégocier les représentations et les récits historiques, l’assignation des places que chacun y occupe, la distribution des responsabilités et des pouvoirs dans leur élaboration. Ils relèvent d’une dialectique complexe de l’archive et du vivant, des temps passés et actuels, du direct et du médiatisé, de la distance et de l’affectivité, de la normativité et de l’agentivité. Plus récemment, des théoriciennes et théoriciens ont avancé la notion de preenactment pour désigner des pratiques artistiques et culturelles vivantes qui rejouent des évènements du passé ou élaborent des phénomènes fictifs dans une perspective prospective, avec l’idée qu’ils pourraient se répéter dans le futur. Le preenactment n’est pas pour autant de l’ordre du présage ni de la prophétie ; il fonctionne comme une répétition, au sens de rehearsal en anglais, c’est-à-dire s’entraîner ou s’exercer à faire quelque chose. Il donne l’occasion de performer dans le présent et à échelle réduite des idéalités sociales, politiques ou culturelles pour demain. Après avoir présenté les principaux enjeux et débats théoriques qui sous-tendent les pratiques de reenactment et de preenactment, ma communication s’attachera à quelques propositions artistiques récentes qui conjuguent les deux approches, rétrospectives et prospectives, dans la perspective d’anticiper des mondes décoloniaux. Anne Bénichou enseigne la théorie de l’art et les études muséales à l’Université du Québec à Montréal. Ses recherches portent sur les archives, les formes mémorielles et les récits historiques issus des pratiques artistiques contemporaines et des institutions chargées de les préserver et de les diffuser. Sur ces enjeux, elle a publié Un imaginaire institutionnel (L’Harmattan, 2013) et Rejouer le vivant (Les presses du réel, 2020). Elle a assuré la direction scientifique de trois ouvrages collectifs parus aux Presses du réel : sur la documentation dans les arts visuels (Ouvrir le document, 2010), sur la transmission des œuvres performatives et chorégraphiques (Recréer/Scripter, 2015), sur l'émergence de nouvelles formes institutionnelles vouées aux pratiques artistiques performatives (Lieux et milieux des arts vivants, 2024). Elle poursuit aujourd’hui ses travaux autour des notions d’anticipation et de futurité dans les pratiques culturelles et artistiques actuelles.

Le 8 au 12 décembre 2025 - Esä, site de TOURCOING Un workshop de Mónica Rikić dans le cadre du séminaire de recherche-création saPRISTi! (axe de recherche PRIST) © DR Mónica Rikić est une artiste électronique originaire de Barcelone. Ses propositions fusionnent technologie et philosophie à travers l’art, donnant naissance à des artefacts technologiques qui ne répondent pas à une logique de fonctionnalité ou de productivité, mais à la volonté de créer des dispositifs critiques capables de susciter une réflexion et une discussion collectives. Sur le plan formel, sa pratique consiste à produire des objets électroniques et des robots fabriqués à la main, qui mettent en scène différents concepts issus de ses recherches et se présentent comme de véritables dispositifs théâtraux. À travers ces créations, elle cherche à offrir des expériences qui encouragent de nouvelles façons de penser les technologies, la robotique et l’open hardware. Mónica Rikić est titulaire d’une licence en Beaux-Arts (UB), d’un master en Arts Numériques (UPF), d’un master en Philosophie Contemporaine (UOC) et est actuellement doctorante au sein du programme doctoral en Technologies de l’Information et des Réseaux (UOC). Avec ses projets, elle a participé à différents festivals et expositions à travers le monde, tels que Ars Electronica (AT), la Biennale Manifesta, ISEA, Creative Tech Week (NY), Robotronica (AUS), Loop Festival (ES), Sónar Festival (ES), le Festival de la Imagen (COL), Laboral (ES), FILE (BR), ADAF (GR), le CCCB (ES), Arts Santa Mónica (ES), La Capella (ES), entre autres. Elle a reçu en 2021 le Catalan Culture Award, ainsi que les distinctions du Japan Media Arts Festival, d’AMAZE Berlin, du Margaret Guthman Musical Instrument Competition à Atlanta et une bourse Leonardo de la Fondation BBVA. Elle a participé à des résidences artistiques au sein du programme S+T+ARTS, de Technoculture, Arts and Games à Montréal, du programme European Media Artists in Residence Exchange (EMARE-EMAP) au sein de la QUT (Australie) et à Hexagram (Montréal), ainsi qu’à Medialab Prado à Madrid, Platohedro à Medellín et Etopía à Saragosse, dans le cadre du programme européen ARTificial Intelligence Lab.

Mardi 2 décembre 2025 à 11h - Une visioconférence d’Iván Argote dans le cadre du séminaire de recherche-création saPRISTi! (axe de recherche PRIST) Rendez-vous dans le FabLab de l'Esä, site de TOURCOING, 36bis rue des Ursulines. Iván Argote © DR Iván Argote est un artiste et réalisateur. À travers ses sculptures, installations, films et interventions, il questionne notre rapport intime aux autres, aux institutions, au pouvoir et aux systèmes de croyances. Il développe des stratégies basées sur la tendresse, l’affect et l'humour grâce auxquelles il suggère des approches critiques des récits historiques dominants et tente de les décentraliser. Dans ses interventions sur des monuments, ses installations à grande échelle et ses performances, Iván Argote propose de nouveaux usages symboliques de l’espace public. Bogotá, 1983, vit à Paris. Iván Argote a étudié le design graphique, la photographie et les nouveaux médias à l’Université Nationale de Colombie à Bogotá, et est titulaire d’un master en arts plastiques de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts (ENSBA) de Paris. Il a présenté des expositions personnelles dans d’importantes institutions telles que le Centre Pompidou, le Palais de Tokyo, la Rudolfinum Galerie, la Berlinische Galerie, le Dortmunder Kunstverein, le musée MALBA, le musée MAPS, le SCAD Museum of Art et l’ASU Art Museum. Il a également réalisé d’importantes installations publiques sur la High Line (New York), au MASP (São Paulo), à Desert X (Coachella Valley), ainsi que des sculptures permanentes pour l’Université de la Sorbonne (Paris), la ville d’Anvers et la ville de Douala. Son travail a été présenté à la 60e Biennale de Venise (2024), à la 30e Biennale de São Paulo (2012), à la Biennale de Lyon (2024), à la Biennale de Cuenca (2023), à Thessalonique (2015), entre autres. Les œuvres d’Argote font partie de prestigieuses collections, notamment celles du MoMA (New York), du musée Guggenheim (New York), du LACMA (Los Angeles), du Centre Pompidou (Paris), du MCA Chicago, du MACBA (Barcelone), du MASP (São Paulo) et de la Colección de Arte del Banco de la República (Bogotá). Argote a reçu plusieurs distinctions importantes, parmi lesquelles l’Audi Talent Award (2014), le Prix SAM pour l’art contemporain (2011), le Grand Prix du festival LOOP Barcelona Video Art (2015), et il a été nommé pour le Prix Marcel Duchamp (2022). Iván Argote est représenté à l’international par la galerie Perrotin depuis 2011, par la Galería Vermelho à São Paulo depuis 2012, et par la Galería Albarrán Bourdais à Madrid et Menorca depuis 2019.